之前曾陆续写过一些有关德国设计、摄影等方面的内容，但是各为单篇、缺乏纵向的梳理与串联。趁着年末相对清闲，撰写一个专题，梳理自20世纪以来德国视觉艺术的发展历程。
包豪斯学校
如果要探寻德国艺术早期的杰出成就，还要追溯到中世纪的法兰克王国，查理大帝在都城亚琛所兴建的教堂，成了后世“加洛林风格”建筑的代表。而随着帝国的衰亡，整个文艺复兴时期德意志民族都处于四分五裂的状态。
直到1871年再次统一，德国的视觉艺术才开始后来居上，第一个巅峰就是昙花一现却又堪称承前启后、继往开来的学校，国立包豪斯学校（ Das Staatliches Bauhaus ）。在短暂的十多年时间里，学校的先贤们对于艺术与技术的关系、设计目的性和自然客观法则等领域进行了积极探索，开创了辉映后世、照耀千古的“包豪斯学派”！
1919年，著名建筑家 Walter Gropius 于魏玛将原本两所学校，萨克森大公美术学院 与 工艺美术学校合并，成立了旨在通过新式现代教育培养培养新式建筑设计人才的学校，这就是最早的魏玛包豪斯。1925年，因为政治原因，包豪斯被迫改迁到 德绍，并在那里新建了一座现代风格的学校建筑，这边是后来誉满全球的 “德绍包豪斯校舍”。包豪斯总共经历了三任校长，后期受到地方政府的压力和纳粹的疯狂攻击，最终于1933年寿终正寝，前后只维持了14年时间。
真正让包豪斯学校奠定其历史地位的，反而是由于政治迫害而关闭后，其师生也被迫远走他国，将原本准备的课程及建筑设计理念，如播种一般带到世界各地的美术和建筑学院，其中又以美国为最。
人们就陆续将这种形状与颜色极简又兼顾经济成本和功能性的建筑设计，称作“包豪斯风格”。随着冷战结束，两德统一，“包豪斯学派”依托强大的国力，被打上了“德国制造”的光环，开始百花齐放，呈现出了迷人的多样性。下文开始介绍其至今形成的几种主要风格，并附上代表性的建筑作品。
秩序性的网格
包豪斯学派的建筑设计有着强烈的理性主义风格，具体的形式之一就是充满着秩序性的网格元素。其不仅有着外形上的简练，也兼顾着功能性的灵活。其中最有代表性的两处，就是柏林的 洪堡大学图书馆 和 欧洲被害犹太人纪念碑。
表现主义的张力
在20年代“表现主义”就开始在德国的土地上萌芽，而历经纳粹时期的压迫，直到战后才这种理念才重获新生。其核心的方法，就是通过凌乱的平面、破碎的形体和通透的材料，来展现直击眼球的视觉张力。最有代表性的建筑是位于卢肯瓦尔德的 制帽工厂 、位于柏林的 DZ银行大楼 和 位于沃尔夫斯堡的 费诺科学中心。
技术美学
德国自第二次工业革命以来就建立技术的优势，投射到建筑领域，其诸多设计和建造工艺，都如同精密设备一般，处处彰显着工业的美学，让人叹为观止。这其中的杰出代表之作，是GMP事务所设计的 柏林水疗中心， 轻型结构既先进又让空间显得宏伟，堪称后世典范。
与建筑摄影
可能读到这里会有疑问，了解建筑设计理念对于摄影的提升在哪里。其最大的帮助在于脱离网红阶段的审美趣味，真正的从结构美学、秩序性和几何张力等视角去解读建筑，进而以相机凸显。这也是目前APA等高水平建筑影赛所看重的能力。
新客观主义
摄影技术在诞生之初，深受油画艺术的影响，走的是“画意摄影”的路线。也是直到一战结束之后，小型化胶卷推动了手持相机的普及、镜头群的丰富拓展了拍摄的主题和表达的方式，而感光乳剂大幅提高了高广度，相机才正式有了“控制快门”的概念。此外，相机本身开始分类，既有能确保高清细节的大画幅相机，也有便携的135照相机。
这些井喷的新技术，激发了摄影界对于“本体”的探讨，即“摄影之所以是一种独立艺术媒介”的特性，并由此衍生出三个主要流派，美国“直接摄影”、法国“决定性瞬间”和德国“新客观主义”。
“新客观主义”强调通过精确细腻”机械制造“的照片来探索现实世界客观事物本质。不过比较可惜的是，受到二战的影响，存在的时间并不长。代表人物布洛斯菲尔德，其专注用35年时间拍摄了诸多植物照片，最终整理成选集《自然的艺术形态》，一发表就引起了国际摄影界的轰动。书中的照片用极端写实的方法去展示植物的精美规则，细节让人叹为观止。
其实随着数码技术的进步和布光道具的丰富，可能 布洛斯菲尔德 的这些作品对于我们摄影拍摄操作层面的借鉴已经有限。但是在这个浮躁、急于求成的时代，能够坚守30余年、专注拍摄一个主题，并且做到极致，才是我们更值得去学习的。
新地形学
德国摄影师真正奠定其世界性地位的，是贝歇夫妇所建立的新地形学。他们以冷静的态度拍摄工业生产建筑来呈现被人类入侵的自然风景，以反思人与自然的关系。也被称作“现代工业摄影”的先驱。
从二战战后开始创作，一直到1975年才因为《新地形学》影展而享誉世界，中间大约经历了30年默默无闻的时光。观赏他们的摄影作品，不如说是在看一场工业造物的搜集展，高炉，水塔，输送塔，冷却塔，矿山，煤井，均是来自于夫妇二人的沿途记录。他们这种图片搜集形式的摄影，是对类型学的系列影像拍摄手法在建筑主题领域的构建。
当代杜塞尔多夫学派
贝歇夫妇自1976年起在杜塞尔多夫艺术学院任教，艺术理念影响了一整代人，其中最为杰出的就属Candida Höfer，Thomas Struth，Thomas Ruff 和 Andreas Gursky，形成了具有非常影响力的杜塞尔多夫学派。
他们把摄影当做一门严谨的科学或者工程，摒弃其中的情感、叙事思路，而去强调被拍摄物体的“客观性”。他们在构图上秉承了自包豪斯学派以来对美学的解构，在技术上强调对曝光、对焦、景深等细节的精准把控。
Candida Höfer—“对称主义”
首先我想介绍的就是 Candida Höfer 这位女摄影师，她的建筑摄影风格对我的影响最大，也是至今让我最为喜爱的艺术家。
Candida Höfer 坚持用彩色摄影，关注的主题大多是宫殿、图书馆、博物馆和歌剧院等象征人类文明的、宏大的建筑内景，而其代表性风格则是完美对称的构图。此外，她习惯用大画幅的相机，让画面中的细节更加丰富。
这种简单、粗暴的表达方式，却足以触动观众内心对于建筑本身和对人类社会文明的思考，让她从上个世纪80年代开始逐渐被艺术界关注。
Thomas Struth—“冷漠”画风
相比于前文中Candida Höfer 及其具有画面冲击力的建筑内景作品, 接下来我要介绍的摄影师 Thomas Struth 则是“冷漠”的画风。他是以拍摄建筑外景、城市全景为主，色调偏淡雅、中性灰，画面中大多是空无一人。他的作品没有传达出任何的情感，就是这样冷冰冰地呈现在观众眼前。
Andreas Gursky-大画幅至上
说到当今摄影圈身价最高的艺术家，Andreas Gursky 便是其中之一。他如今也在母校杜塞尔多夫艺术学院任教。作品虽然取材于平淡的主体乃至常见的生活场景，但是其作品的核心特点就是，很多照片的尺寸都大得惊人，堪称真正意义上的“巨片”！而这种利用大画幅机器的创作，在景深和细节上突破了人类肉眼的生理极限，画面感会促使观众向人文层面思考。
总结
回顾德国视觉艺术百余年的发展历程，不仅心潮澎湃，也能对热爱艺术的当代人以启发。我们在了解其已经被奉为经典的理念观点之余，也可以看到先贤们甘坐冷板凳以持续创作的工匠精神，还有面对强权打压之下对于学术自由的坚持，这才是一个浮躁的互联网时代摄影师们所需秉承的。